El pasado mes de octubre, cuando se anunció que Sarah Burton dejaba Alexander McQueen, la casa que había renovado tras el suicidio de su fundador, y que sería sustituida por un diseñador irlandés llamado Seán McGirr, se desató una especie de tsunami de ansiedad en el mundo de la moda.
Verá, resultó que con el nombramiento de McGirr, todos los diseñadores del establo de su propietario, Kering, el segundo conglomerado de moda más grande del mundo, serían hombres blancos. Y la situación no hizo más que empeorar cuando, en rápida sucesión, tres hombres blancos más, todos italianos, fueron nombrados para los puestos más altos de Moschino, Tod’s y Rochas.
¿Dónde estaban las mujeres (y mucho menos los diseñadores de color) en una industria que atiende principalmente a mujeres? ¿No se suponía que íbamos a ir más allá de eso? Indique los golpes en el pecho y los gemidos de TikTok.
Y luego, indique la solución, cortesía del Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte.
“Women Dress Women” es una celebración del trabajo de la propia colección del museo de más de 70 diseñadoras diferentes desde principios del siglo XX hasta el presente. Es la primera vez que el museo organiza una encuesta dedicada exclusivamente al trabajo de las mujeres, y será la primera vez que se podrán ver al menos la mitad de las 83 piezas expuestas.
Esto hace que el programa sea a la vez un síntoma del problema (es bastante impactante pensar que en los 85 años transcurridos desde que el Costume Institute se unió al Met, nadie ha hecho esto antes, a pesar de las complicaciones de un programa basado en el género) y, tal vez, una señal de una posible solución.
De hecho, pocas veces una exposición ha estado tan perfectamente programada. Aunque la curadora asistente del Costume Institute, Mellissa Huber, quien creó el espectáculo con la co-curadora invitada Karen Van Godtsenhoven, no tenía la intención de hacerlo de esa manera.
Destinada a coincidir con el centenario del derecho al voto de las mujeres en los Estados Unidos en 2020, “Mujeres” se concibió en 2019 y se pospuso cuando los cierres relacionados con el Covid cambiaron el calendario de exposiciones. Este retraso ha remodelado el resultado de una manera que, irónicamente, lo hace aún más relevante políticamente, no sólo por el cambiante mundo de la moda, sino también porque los acontecimientos globales han reavivado el debate sobre los cuerpos de las mujeres y sobre quién los controla.
El milagro es que Huber y Van Godtsenhoven evitaron la polémica y simplemente dejaron que la obra, en toda su asombrosa variedad y amplitud de imaginación, hablara por sí misma. Y ese es el caso.
En susurros y canciones, seda y satén, algodón y lana, reinventa el registro de la moda, llenando los vacíos y guardarropas de la historia con nombres y piezas olvidadas hace mucho tiempo y por error; finalmente elevándolos a los pedestales a los que pertenecen.
Literalmente: el espectáculo comienza con dos columnas altas a medida que desciendes las escaleras hacia el Centro de disfraces Anna Wintour.
En la parte superior de cada columna hay piezas de los dos únicos diseñadores que han disfrutado de exposiciones individuales en el Met: un vestido de noche blanco con drapeado de diosa de Madame Grès, cuya retrospectiva finalmente tuvo lugar en 1994, a pesar de que la ex curadora del Costume Institute Diana Vreeland lo inició en 1980, según Huber, y el suéter y la falda negros apolillados de la vanguardia Rei Kawakubocuya retrospectiva tuvo lugar en 2017.
Mientras tanto, lo que saluda a los asistentes cuando llegan al Centro de Vestuario son tres suntuosos vestidos negros de la troika de los sabios de la moda, Coco Chanel (un vestido de tul «fuegos artificiales», reluciente de estrellas de lentejuelas), Madeleine Vionnet (una columna de terciopelo marrón oscuro con una «cinta» de perlas doradas en la cintura) y Elsa Schiaparelli (chaqueta y falda de noche bordadas en terciopelo azul medianoche). Ubicado dentro de un triángulo reflejado que refracta el trabajo en un bucle sin fin, este doble golpe deja claro el punto: dondequiera que mires, hay obras de mujeres en la cima de su juego.
El hecho de que el mensaje se transmita con tanta sutileza es lo que le da poder a la exposición. Es una historia condenatoria, contada con delicadeza. Las revelaciones comienzan en la Galería Carl e Iris Barrel Apfel, que se centra en esta época, en las décadas de 1920 y 1930, cuando las mujeres diseñadoras superaban en número a los hombres, y presenta muchos nombres perdidos en la historia.
Premet, por ejemplo. ¿Qué es? Una casa francesa dirigida por una serie de diseñadoras, todas las cuales introdujeron versiones del pequeño vestido negro a partir de 1923, unos años antes de que a Coco Chanel se le atribuyera su invención. Se exhibe uno de sus muchos LBD, un elegante número de varios niveles que data de 1929 y creado por la diseñadora Charlotte Larrazet.
y sobre ¿Marie-Louise Boulanger (de la casa Louiseboulanger)? Ella es la diseñadora del extraordinario vestido de raso beige de talle bajo que se muestra, cuya falda es una mezcla muy contemporánea de paja y plumas de avestruz teñidas en ombré. O El loco carpentier¿La casa cofundada por Madeleine Maltezos y Suzie Carpentier, las mujeres detrás de un vestido drapeado de organdí de finales de los años 40 que ondula en tonos azules como la superficie del mar Mediterráneo?
Es imposible ver su trabajo y no pensar que deberían ser parte del canon general de los diseñadores, y que si lo fueran, tal vez nuestra comprensión de los fundamentos del mundo de la moda moderna podría ser diferente.
Un vídeo de costureras inclinadas sobre sus máquinas, un recordatorio de todas estas mujeres anónimas que han encontrado su vida en la moda, cierra la brecha entre estos diseñadores fundadores y el mundo del prêt-à-porter: una visión de 360 grados alojada en el Lizzie y Jonathan espacio. Galería Tisch y anclada en terciopelo amatista María Monaci Gallenga Vestido de 1925 salpicado de flores de loto doradas. Anteriormente atribuido a Mariano Fortuny (Ups) y en condiciones frágiles, ha sido reparado y debutó en exhibición.
A partir de ahí, el espectáculo te lleva en un viaje vertiginoso a través del caleidoscopio de la imaginación femenina contenida en la ropa, a través de la apropiación por parte de Ann Demeulemeester del traje de funeraria y el vestido con hombros descubiertos de Donna Karan, los fruncidos en paracaídas de Norma Kamali y la gasa drapeada de la nativa. . diseñador Jamie Okuma. Las galerías son tan ricas en identidades e inventos que puede resultar difícil saber quién hizo qué, aunque es bueno darse el gusto.
Hay un placer inesperado al descubrir la red de conexiones que la serie revela, tanto en la historia de quién hizo la ropa como de quién la usó. En una pared, por ejemplo, un árbol genealógico animado narra cómo las casas Jeanne Hallée y Paquin formaron a dos diseñadoras, Madame Madeleine y Madeleine Lepeyre, que a su vez dieron origen a la casa Madeleine & Madeleine que gestionaron. Es un poco encantador saber que Louise Nevelson, conocida por sus esculturas monocromáticas, donó el conjunto a cuadros de mohair de Bonnie Cashin y que Lauren Bacall había sido la orgullosa propietaria de la falda rosa empolvado y el suéter a rayas de Sonia Rykiel en el desfile (ambas modelos nunca habían usado antes). expuesto).
Seis yuxtaposiciones “intergeneracionales” se presentan espalda con espalda en el centro de la galería principal, con un espejo bidireccional entre cada par de modo que el reflejo de uno proyecta una sombra sobre el otro, como un fantasma, flotando justo detrás: el regordete de Prada. abrigo de plumas versus el de Schiaparelli. vestido esmeralda de faya metálica; El vestido plisado Delphos de Fortuny (el que lució la mujer y musa de Mariano, Adèle Henriette Elisabeth Nigrin Fortuny fue fundamental en la creación) contra la malla fruncida de Ester Manas (ambas hechas por un equipo de esposa y marido, ambos estructurados para adaptarse al cuerpo, y no al revés).
Todo esto crea una experiencia emocional inesperada al tiempo que se niega a responder a generalizaciones reduccionistas sobre el diseño «femenino» (o quién puede usar la ropa; uno de los modelos es un hombre, lo que nos recuerda que el espectáculo puede tener un género, pero que la realidad es diferente). no necesariamente). .
De hecho, señaló Van Godtsenhoven, un tema subyacente aquí es que el axioma de que las diseñadoras crean ropa para la vida mientras que los diseñadores crean ropa para la fantasía es tanto un engaño como la fetichización del diseñador masculino como un monstruo sagrado o un artista imposible.
Después de todo, por cada vestido canguro de Isabel Toledo que cubre elegantemente el cuerpo materno, hay un cuento de hadas con lentejuelas plateadas que representa un vestido sin espalda, como el de Sarah Burton para Alexander McQueen, tan físicamente implacable que requirió un maniquí encargado especialmente; Por cada traje pantalón minimalista de Jil Sander, hay una explosión de protuberancias y rarezas de Georgina Godley; para cada body futurista impreso en 3D por Iris Van HerpenHay un vestido adaptable como el que Jasmin Soe diseñó para mujeres con acondroplasia, que provoca una cintura pequeña, para adaptarse a sus propios gustos.
En otras palabras, la escala de la exposición constituye un poderoso argumento de que la idea de que no hay suficientes mujeres en la moda es errónea; que no se trata realmente de una falta de representación (o autoría) femenina, sino de una falla institucional por parte de todos los actores de la industria (marcas, escuelas, museos, medios) a la hora de reconocerlo, recordarlo y celebrarlo.
“Cuando repetimos los mismos nombres una y otra vez –Dior, Balenciaga– creamos un canon y una historia, y la gente empieza a alejarse”, dijo el cocurador Van Godtsenhoven. Y luego, “de repente, sólo hablamos de “maestros” y “padres” y no de “madres”.
Pero en realidad, el mundo de la moda está lleno de mujeres increíbles, si tan solo la gente mirara. Es responsabilidad de todos nosotros.
Como escribió Claire McCardell: “La mayoría de mis diseños parecen sorprendentemente obvios. Me pregunto por qué no pensé en eso antes. Lo mismo podría decirse de este espectáculo, como señaló Huber. Cuando se le preguntó por qué tomó tanto tiempo (y por qué se necesitaron dos mujeres para lograrlo), respondió diplomáticamente.
Cualquiera sea el motivo, deberíamos estar agradecidos de que finalmente haya llegado el momento. Después de todo, todavía quedan grandes vacantes por cubrir en las principales marcas de moda europeas, incluida Givenchy. Espero que sus directores ejecutivos se tomen el tiempo de pasar por el Met. Es posible que obtengan una percepción diferente de lo que es posible.
mujeres vistiendo mujeres
Hasta el 3 de marzo, Museo Metropolitano de Arte, 1000 Fifth Ave., (212) 535-7710; metmuseum.org.
