La Gala del Fondo de Producción Artística y Bienal del Whitney atrae a Darren Aronofsky, Huma Abedin y David Byrne

Mientras el sol se ponía el lunes por la noche en el distrito frigorífico de Manhattan, el Museo Whitney de Arte Americano se llenaba de multitudes para la inauguración de la 81ª Bienal Whitney. La exposición de este año, «Incluso mejor que lo real», aborda la cuestión de qué es «real» a través de obras sobre el auge de la inteligencia artificial, la fluidez de género y la fragilidad de la naturaleza.

Críticos y galeristas rozaron al cineasta Darren Aronofsky mientras estudiaba una serie de figuras escultóricas de Rose B. Simpson.

“Leí el texto del museo en la pared que lo explica y me gusta el tema de este año”, dijo Aronofsky. “Todo el mundo está pensando en las mismas cosas en el mundo ahora mismo, por eso me gusta la idea de considerar nuestra realidad actual a través del arte. »

Abajo, un DJ tocó éxitos de baile latino ante una multitud de figuras del mundo del arte que bebieron cócteles Paloma e intercambiaron chismes de la industria. Las escaleras del museo se llenaron de invitados que deambulaban por los pisos del edificio para llegar a las obras de Mary Lovelace O’Neal, Pippa Garner, Holland Andrews, Eddie Rodolfo Aparicio y JJJJerome Elliscuyo arte (y nombre) investiga la condición de tartamudez.

En el quinto piso, David Byrne, que vestía pantalones blancos, zapatillas blancas y una chaqueta blanca, contemplaba una escultura de Jes Fan. RoseLee Goldberg, curador e historiador del arte, admiró una instalación de Dala Nasser. Las cocuradoras de la exposición, Meg Onli y Chrissie Iles, dieron una calurosa bienvenida a los artistas.

Los grupos hicieron fila para ver la instalación «In Cascades» de Lotus L. Kang, que consiste en hojas colgantes de película sensible a la luz que se transformarán a lo largo de la bienal.

“Estas piezas cinematográficas evolucionan continuamente”, afirmó la Sra. Kang. “Son porosos, se hacen cargo de su propia vida, y esta precariedad es también la realidad de la condición humana. Nada está fijo, incluido el cuerpo y la identidad.

En otra parte, la diseñadora de moda Cynthia Rowley caminaba entre una multitud de artistas con gafas y cabellos de cuenco. En una mesa de cóctel, el crítico Dean Kissick Intercambió notas sobre la bienal con Mary Boone.

«Voy a escribir sobre este programa, así que todavía estoy ordenando mis pensamientos, pero creo que es terrible», dijo Kissick. “Según esta bienal, el arte está retrocediendo en el tiempo hacia un lugar más conservador. Lo que quiero decir con esto es que actualmente hay una tendencia en el arte a combinar políticas progresistas con formas, medios y estéticas conservadoras, y eso es lo que veo aquí.

En el sexto piso, Dustin Yellin examinó una obra de Mary Kelly, “Lacunae”, que utiliza calendarios para explorar el envejecimiento y la mortalidad.

«Para mí, el tema bienal de este año trata sobre la interferencia psíquica y el frenesí que está dividiendo al país en este momento», dijo Yellin. «El arte aquí es pensar en cómo la gente puede volver a unirse».

Afuera, en el balcón, había una instalación grande y poco sutil de Kiyan Williams que unía algunos de los hilos temáticos de la exposición. Titulada “Ruinas del Imperio II o La Tierra se traga la Casa del Maestro”, la escultura de barro representa una fachada revestida de columnas de la Casa Blanca que se hunden en el suelo.

Mientras el museo se vaciaba por la noche, algunos invitados se quedaron en el balcón para contemplar los restos y contemplar la bandera estadounidense plantada en lo alto ondeando al viento.


Mientras los neoyorquinos aún se estaban formando su opinión sobre la Bienal del Whitney, se estaba desarrollando otro evento mundial del arte. El jueves por la noche, los restaurantes Grill and Pool de Midtown albergaron la gala anual del Art Production Fund, que encarga proyectos de arte público como la instalación solitaria de Prada, Marfa en Texas, y Seven Magic Mountains en Nevada.

Las cortinas de cadenas de metal del Grill brillaron cuando la hora del cóctel comenzó alrededor de las 6 p.m. y la sala se llenó de celebridades como Olivia Wilde y Drew Barrymore. La gala de este año tuvo como tema un crucero y los camareros llevaban gorras de capitán mientras pasaban platos de alcachofas crujientes y hamburguesas. Algunos invitados estaban sentados en tumbonas y bebiendo margaritas azules con sombrillas de cóctel.

Debbie Harry y Cynthia Rowley se reunieron con viejos amigos entre la multitud. El fotógrafo de moda Mario Sorrenti admiró una instalación de Laila Gohar, la chef y artista conocida por sus caprichosos trabajos culinarios, elaborados con cientos de conchas de ostras. Y Huma Abedin estaba en el bar con el hotelero Sean MacPherson.

“Creo que siempre estamos buscando la belleza donde podemos encontrarla en Nueva York”, dijo Abedin, reflexionando sobre el valor del arte público. “Caminar por Park Avenue o caminar por Madison Square Park y ver todo lo que se exhibe me da un momento de escape. Como neoyorquinos, necesitamos cosas que nos hagan ver más allá de nuestros apartamentos, y el arte público democratiza la belleza.

MacPherson compartió su opinión.

«Una ciudad sin arte público es un lugar disminuido», afirmó. “El arte es lo que nos diferencia de los bárbaros. »

También se unieron a la refriega algunos actores jóvenes del mundo del arte de la ciudad, como la artista Chloe Wise, el marchante de arte Max Levai, el escritor de Vanity Fair Nate Freeman y el galerista 56 Henry, Ellie Llanos.

«Debido a que el arte público es ‘público’, para algunas personas va de la mano con la idea de que no puede ser también un desafío», dijo Wise. «Hay un lado esnob en la gente que lo ignora, y por eso también el Fondo de Producción Artística es tan importante».

La Sra. Rines había traído a una de sus artistas, Cynthia Talmadge, como cita. “Es cierto, a veces se considera que el arte público carece de estilo, pero este evento siempre le da estilo y estilo”. Sra. Rines dicho. “Siempre me han encantado los cuadros inspirados en Picasso. escultura que se encuentra en esta plaza del SoHo.

Los invitados se sentaron rápidamente para cenar en el área de la piscina real. Comieron salmón ahumado con latkes y alcaparras mientras bailarines sin camisa realizaban una coreografía del artista Shikeith, chapoteando en la piscina iluminada del lugar. Titulado «Horas de visita», rindió homenaje a la cultura de cruceros gay que una vez prosperó en los muelles del río Hudson.

Casey Fremont y Kathleen Lynch, directores de la organización sin fines de lucro, dieron el discurso de apertura para iniciar la recaudación de fondos, que recaudó más de $850,000. Luego, Sara Friedlander, vicepresidenta de Christie’s, realizó una subasta en vivo, durante la cual una pintura de temática náutica de Joel Mesler, “Sin título (Crucero)”, se vendió por 120.000 dólares.

Después de que los invitados terminaron sus ravioles de langosta Carbone y llegaron a las mesas órdenes aparentemente interminables de martinis, el restaurante se vació lentamente para pasar la noche. Sentados solos, el artista Anna Weyant y la presentadora de podcasts Eileen Kelly.

La Sra. Kelly reflexionó sobre el poder del arte público.

“Siempre me encantó la escultura de Alicia en el País de las Maravillas en Central Park”, dijo la Sra. Kelly. “Muchos niños crecen viendo esto y nunca lo olvidarán, aunque no se den cuenta en ese momento. Es una hermosa escultura que retribuye a la gente.

«Creo que el arte público es sexy», añadió. «Nuestro mundo puede ser muy feo, así que ¿por qué no hacerlo más hermoso si se puede?» »