En Alexander McQueen, el confuso debut de Seán McGirr

En Alexander McQueen, el confuso debut de Seán McGirr

Que la muerte de Iris Apfel, la influencer geriátrica cuyo distintivo sentido del estilo personal la convirtió en una estrella de la moda a los 80 años, ocurriera en medio de la Semana de la Moda de París fue sorprendente y extrañamente apropiado. Todas las apreciaciones de su vida y de sus atuendos se han sumado a un recordatorio preciso de cómo todo este circo está vinculado al arte de vestir y cómo la ropa puede ser una interfaz con el mundo de la forma más expresiva y original.

He estado pensando mucho en ello este fin de semana, en parte debido a los diseñadores aquí que, como la Sra. Apfel, han construido imperios (o al menos pequeños feudos) con el deseo de seguir su propio camino: Rick Owens, Yohji Yamamoto. . Diseñadores con un profundo conocimiento de las reglas y la historia de la moda y una capacidad igualmente poderosa para reescribir ambas e imaginar un mundo diferente. Aquel cuyos uniformes pueden parecer extraños y escandalosos, pero que crean una sensación de posibilidad emocionante: la ropa como permiso para pensar fuera de lo común.

Y también porque cuando Seán McGirr empezó en Alexander McQueen, una casa que alguna vez hizo todo lo anterior, todo fue muy confuso.

McGirr tuvo la complicada tarea de suceder a Sarah Burton, la suplente de McQueen durante mucho tiempo, quien estabilizó la marca después del suicidio del diseñador en 2010 y la hizo suya, agregando un toque de gracia al romance enojado y la imaginación vertiginosa que abarcaba el cielo. y la tierra y que, combinado con una gran maestría técnica, definió el nombre McQueen.

En otras palabras, McGirr es el primer diseñador que lidera la marca sin una conexión particular con ella, y se nota. En un avance, habló con entusiasmo sobre la colección de primavera de 1995 de McQueen, The Birds, así como sobre el East End de Londres, sus bordes ásperos y rebeldes, pero el resultado se parecía a McQueen, la versión dance de TikTok. Había energía, pero no profundidad.

Había sastrería cuidada: trajes de pantalón ajustados cubiertos de pedazos de azabache rotos con chalecos de piel de oveja explotando desde el interior. Había suéteres gigantes que parecían tragarse enteras a las modelos, sobre pantalones de cuero. Un vestido sin mangas cubierto con lo que se suponía que parecían vidrios rotos, inspirado en la pantalla rota del teléfono celular del Sr. McGirr. Algunos minivestidos de acero fundido, como chasis de coche portátiles (olvídate de sentarte).

Había zuecos, en un guiño a los zapatos de armadillo del señor McQueen, a veces completos con pequeñas colas en la parte trasera. También bolsas para zapatos: tacones de aguja en bolsos auténticos. Las modelos caminaban con la frente hacia adelante, en una parodia de pisotones furiosos. Pero no era el tipo de ropa que te hacía querer aceptar un desafío.

Para ser honesto, esa bien podría haber sido la misión del Sr. McGirr: ¡rejuvenecerlo! ¡Hazlo más accesible! ¡Haz más cada día! Éste parece ser el mantra actual de los ejecutivos que temen una desaceleración en el sector del lujo. El problema es que la tranquilidad nunca fue el objetivo de McQueen; fue todo lo contrario.

En el avance, McGirr dijo que el primer desfile de McQueen que recordaba era Voss, la colección de primavera de 2001 que presentaba modelos encerradas en un sanatorio transparente, vestidas con ropa hecha de plumas y conchas de ostras, descomponiéndose silenciosamente bajo la mirada del público. . «Creo que cuando vi a Voss pensé: ‘Oh, realmente está tratando de decir algo'», dijo McGirr. “Porque, obviamente, McQueen, siempre hay un mensaje en la ropa. Debe haber.»

Tenia razon. Sin embargo, si tal mensaje existe en esta colección, fue imposible identificarlo. Tal vez la próxima vez.

De todos modos, cuando se trata de visiones singulares, pocas han sido tan claras y originales como Rick Owens, cuyas grandes visiones combinan las ambiciones épicas y el glamour de Cecil B. DeMille con la rareza marciana y un toque de sexo sucio, ofreciendo la promesa de una vida mejor. futuro para los excluidos y marginados. Sin embargo, lo más extraño de su colección de esta temporada, presentada en su casa/sede en el corazón del establishment francés detrás de la Asamblea Nacional, fue lo… bueno, ponible que era.

La silueta característica de Owens todavía estaba allí: bulbosa en la parte superior, apagada en el medio, anclada en la parte inferior con lo que el diseñador, detrás de escena, llamó sus botas piramidales lunares, de modo que el cuerpo parecía un trozo de caramelo estirado entre dos. publicaciones. También lo era el extremo: vestidos hechos con carretes de cuerda. Pero también había vestidos acampanados tejidos al bies, como los vestidos de película más acogedores, y grandes capas de Maid Marian; incluso ponchos con la palabra “Porterville”, la ciudad del centro de California donde Owens creció y escapó, estaban salpicados en el frente. ¡Ponchos! ¿Qué?

“Este no es momento para fuegos artificiales y bombas de humo”, dijo Owens antes del espectáculo. «Ahora es el momento de que todos se unan y se conecten». En lugar de pomposidad, ofreció un bálsamo, pero sin recurrir al caparazón de la normalidad.

Cela est également vrai de Yohji Yamamoto, un autre des grands créateurs de notre époque, qui est resté fidèle à sa propre exploration de plus en plus complexe et détaillée de l’histoire et de l’émotion, même si elles ont évolué dans et hors Moda. En esto se parece a su amigo Azzedine Alaïa, y al igual que Alaïa, cuya decidida búsqueda de su propia estética primero lo rechazó y luego lo redescubrió como una especie de gurú antes de su muerte en 2017, Yamamoto debería ser elegido. un cálculo.

Es el último gran romántico de la moda, y lo que hace extraordinario su trabajo es que si viaja a través del tiempo y de las referencias, sumergiéndose en una época aquí, en otra allá, también los transforma, doblándolos en una especie de cinta de Möbius de todos los ideas del creador. propio.

Esta temporada, eso significó geometrías Brancusi y trajes eduardianos que se transformaron para exhibir polisones como origami de orquídeas, una combinación que se presentó de una forma diferente en Junya Watanabe. Se le ocurrió una especie de combinación matemática y burguesa de escultura, chaquetas de motociclista y papel tapiz floral que, como el trabajo de Yamamoto, era mucho más que la suma de sus partes. Un sencillo abrigo negro estaba adornado con cinturones de motociclista con tachuelas, que parecían pancartas heráldicas o fajines de Miss Universo, como si un punk hubiera irrumpido no sólo en el gallinero, sino también en el santuario interior.

No es insignificante que Owens y Yamamoto sean dos de los pocos grandes diseñadores independientes que trabajan hoy en día: diseñadores que empezaron de cero con su propio nombre y construyeron sus marcas como mejor les pareció, permitiéndose el lujo de desarrollar sus propios argumentos. . de la vista y del lenguaje material.

Y es difícil no preguntarse qué pasaría si a alguien como McGirr se le permitiera diseñar bajo su propio nombre, en lugar de que se le pidiera que asumiera el papel de una leyenda.

¿Qué pasaría si grandes grupos, como Kering, propietario de McQueen, invirtieran en construir nuevas marcas, en lugar de preservar y resucitar las antiguas y recurrir a los creadores para reinventarlas de alguna manera, pero no demasiado? ¿El equivalente a exigirles que empiecen a hablar en lenguas?

Creando marcas que podrían ser, en palabras del músico Robert Fripp, “resplandecientes en divergencia”, como las deliciosamente extrañas creaciones de Kei Ninomiya de Noir. Como demostró la Sra. Apfel, este puede ser el mejor look de todos.